Druk drzeworytniczy w Japonii (木版画, mokuhanga) jest techniką najlepiej znaną z zastosowania w gatunku artystycznym ukiyo-e pojedynczych arkuszy, ale w tym samym okresie była również używana do drukowania książek. Wynaleziony w Chinach w okresie dynastii Tang, druk drzeworytniczy został szeroko przyjęty w Japonii w okresie Edo (1603–1868). Jest pod pewnymi względami podobny do drzeworytu w zachodnim grafice, ale był szeroko stosowany zarówno do tekstu, jak i obrazów.
Japońska technika mokuhanga różni się tym, że wykorzystuje farby na bazie wody — w przeciwieństwie do zachodniego drzeworytu, który zazwyczaj wykorzystuje farby na bazie oleju. Japońskie farby na bazie wody zapewniają szeroką gamę żywych kolorów, szkliwa i przezroczystości.
Technika wykonywania drzeworytu monochromatycznego pojawiła się w Japonii przypuszczalnie w VIII wieku za pośrednictwem warsztatów koreańskich i stosowana była przede wszystkim do druku tekstów i wizerunków buddyjskich. Z czasem zaczęto ją stosować także do druku literatury edukacyjnej, popularnej i erotycznej. Od początku rozwoju ukiyo-e szczególną popularnością cieszyły się shunga (dosł. 'obrazy wiosenne') czyli drzeworyty i grafiki pornograficzne.
Historia
Wczesny, do XIII wieku
Druk drzeworytniczy został wynaleziony w Chinach za panowania dynastii Tang i ostatecznie przeniósł się do Japonii pod koniec VIII wieku, gdzie po raz pierwszy wykorzystano go do reprodukcji literatury obcej. W 764 roku cesarzowa Kōken zamówiła milion małych drewnianych pagód, z których każda zawierała mały zwój drzeworytniczy z zadrukowanym tekstem buddyjskim (Hyakumantō Darani). Pagody te zostały rozdane świątyniom w całym kraju jako podziękowanie za stłumienie powstania Emi w 764 roku. Są to najwcześniejsze znane lub udokumentowane przykłady druku drzeworytniczego z Japonii.
W XI wieku buddyjskie świątynie w Japonii drukowały księgi sutr, mandali i innych buddyjskich tekstów i obrazów. Przez stulecia druk był ograniczony głównie do sfery buddyjskiej, ponieważ był zbyt drogi dla masowej produkcji i nie miał chłonnego, wykształconego rynku zbytu. Jednak ważny zestaw wachlarzy z późnego okresu Heian (XII wiek), zawierający malowane obrazy i buddyjskie sutry, ujawnia na podstawie utraty farby, że podobrazia malarskie były drukowane z bloków. W okresie Kamakura od XII do XIII wieku wiele książek było drukowanych i publikowanych za pomocą drzeworytu w buddyjskich świątyniach w Kyoto i Kamakurze.
Wczesny okres Edo
Zachodnia prasa drukarska z ruchomą czcionką została przywieziona do Japonii przez ambasadę Tenshō w 1590 roku i po raz pierwszy została użyta do drukowania w Kazusa, Nagasaki w 1591 roku. Jednakże używanie zachodniej prasy drukarskiej zostało przerwane po zakazie chrześcijaństwa w 1614 roku. Prasa drukarska przejęta z Korei przez siły Toyotomi Hideyoshiego w 1593 roku była również używana w tym samym czasie, co prasa drukarska z Europy. Wydanie Analakty konfucjańskie zostało wydrukowane w 1598 roku, przy użyciu koreańskiej prasy drukarskiej z ruchomą czcionką, na rozkaz cesarza Go-Yōzei.
Tokugawa Ieyasu założył szkołę drukarską w Enko-ji w Kyoto i od 1599 roku zaczął publikować książki, używając domowej, drewnianej, ruchomej czcionki zamiast metalowej. Ieyasu nadzorował produkcję 100 000 czcionek, które posłużyły do druku wielu książek politycznych i historycznych. W 1605 roku rozpoczęto publikację książek przy użyciu domowej, miedzianej, ruchomej czcionki, ale czcionka miedziana nie stała się powszechna po śmierci Ieyasu w 1616 roku.
Wielkimi pionierami w stosowaniu ruchomej czcionki drukarskiej do tworzenia książek artystycznych, a także w poprzedzającej masowej produkcji dla powszechnego użytku, byli Honami Kōetsu i Suminokura Soan. W swoim studiu w Saga w Kioto, para stworzyła szereg wersji drzeworytniczych japońskich klasyków, zarówno tekstowych, jak i graficznych, zasadniczo konwertując emaki (ręczne zwoje) na drukowane książki i powielając je dla szerszego użytku. Te książki, znane obecnie jako Książki Kōetsu, Książki Suminokura lub Książki Saga (嵯峨本, Saga-bon) , są uważane za pierwsze i najwspanialsze drukowane reprodukcje wielu z tych klasycznych opowieści; Księga Sagi Opowieści o Ise (Ise monogatari), wydrukowana w 1608 roku, jest szczególnie znana. Ze względów estetycznych krój pisma Saga -bon, podobnie jak w tradycyjnych książkach pisanych ręcznie, przyjął renmen-tai, w którym kilka znaków pisano kolejno płynnymi pociągnięciami pędzla. W rezultacie pojedynczy krój pisma powstawał niekiedy poprzez połączenie dwóch do czterech półkursywnych i kursywnych znaków kanji lub hiragana. W jednej książce stworzono 2100 znaków, ale 16% z nich użyto tylko raz.
Mimo atrakcyjności czcionek ruchomych, rzemieślnicy wkrótce doszli do wniosku, że styl pisma japońskiego, półkursywnego i kursywnego, lepiej odwzorowuje się za pomocą drzeworytów. Około 1640 roku drzeworyty zaczęto ponownie wykorzystywać niemal do wszystkich celów. Po latach 40. XVII wieku druk czcionek ruchomych zanikł, a przez większość okresu Edo książki produkowano masowo za pomocą konwencjonalnego druku drzeworytniczego.
Późniejszy okres Edo
Masowa produkcja drzeworytów w okresie Edo była spowodowana wysokim wskaźnikiem alfabetyzacji Japończyków w tamtych czasach. Wskaźnik alfabetyzacji Japończyków w okresie Edo wynosił prawie 100% dla klasy samurajów i 50% do 60% dla klasy chōnin i nōmin (rolników) ze względu na rozprzestrzenianie się prywatnych szkół terakoya. W Edo było ponad 600 wypożyczalni księgarni , a ludzie wypożyczali ilustrowane książki drzeworytnicze różnych gatunków. Podczas gdy Księgi Sagi były drukowane na drogim papierze i wykorzystywały różne zdobienia, będąc drukowane specjalnie dla małego kręgu koneserów literatury, inni drukarze w Edo szybko dostosowali konwencjonalny druk drzeworytniczy do produkcji tańszych książek w dużych ilościach, na bardziej powszechną konsumpcję. Treść tych książek była bardzo zróżnicowana, w tym przewodniki turystyczne, książki ogrodnicze, książki kucharskie, kibyōshi (powieści satyryczne), sharebon (książki o kulturze miejskiej), kokkeibon (komiks), ninjōbon (powieść romantyczna), yomihon, kusazōshi, książki o sztuce, scenariusze zabaw dla teatru kabuki i jōruri (lalek) itp. Najlepiej sprzedającymi się książkami tego okresu były Kōshoku Ichidai Otoko (Życie miłosnego mężczyzny) Ihary Saikaku, Nansō Satomi Hakkenden Takizawy Bakina i Tōkaidōchū Hizakurige Jippensha Ikku, a książki te były wielokrotnie wznawiane.
Od XVII do XIX wieku ukiyo-e przedstawiające tematy świeckie zyskały dużą popularność wśród zwykłych ludzi i były produkowane masowo. Ukiyo-e jest oparte na aktorach kabuki, zapaśnikach sumo, pięknych kobietach, krajobrazach miejsc turystycznych, opowieściach historycznych itp., a Hokusai i Hiroshige są najsłynniejszymi artystami. W XVIII wieku Suzuki Harunobu ustanowił technikę wielobarwnego drzeworytu zwaną nishiki-e i znacznie rozwinął japońską kulturę drzeworytu, taką jak ukiyo-e . Ukiyo-e wpłynęło na europejski japonizm i impresjonizm. Yoshitoshi był nazywany ostatnim wielkim mistrzem ukiyo-e , a jego okrutne przedstawienia i fantastyczne wyrażenia wpłynęły na późniejszą literaturę japońską i anime. Cena jednego ukiyo-e w tamtym czasie wynosiła około 20 jenów, a cena miski makaronu soba wynosiła 16 jenów, więc cena jednego ukiyo-e wynosiła kilkaset jenów do 1000 jenów w dzisiejszej walucie.
Powstało i rozrosło się wiele wydawnictw, publikujących zarówno książki, jak i pojedyncze arkusze. Jednym z najsłynniejszych i odnoszących największe sukcesy było Tsuta-ya. Prawo wydawcy do fizycznych klocków drzeworytniczych używanych do drukowania danego tekstu lub obrazu stanowiło najbliższy odpowiednik koncepcji „prawa autorskiego” obowiązującej w tamtym czasie. Wydawcy lub osoby prywatne mogły kupować od siebie klocki drzeworytnicze, przejmując w ten sposób produkcję określonych tekstów, ale poza prawem własności do danego zestawu klocków (a tym samym do bardzo specyficznego przedstawienia danego tematu) nie istniała żadna prawna koncepcja własności idei. Sztuki teatralne przejmowały konkurujące ze sobą teatry i albo były reprodukowane w całości, albo adaptowano poszczególne elementy fabuły lub postacie; czynność ta była wówczas uważana za legalną i rutynową.
Od okresu Meiji
Po upadku ukiyo-e i wprowadzeniu nowoczesnych technologii druku, drzeworytnictwo nadal było metodą drukowania tekstów, a także tworzenia sztuki, zarówno w tradycyjnych trybach, takich jak ukiyo-e, jak i w różnych bardziej radykalnych lub zachodnich formach, które można by uznać za sztukę nowoczesną. Na początku XX wieku popularność zyskał shin-hanga, który łączył tradycję ukiyo-e z technikami malarstwa zachodniego, a prace Hasui Kawase i Hiroshi Yoshidy zyskały międzynarodową popularność. Instytuty takie jak „Adachi Institute of Woodblock Prints” i „Takezasado” nadal produkują drzeworyty ukiyo-e przy użyciu tych samych materiałów i metod, co w przeszłości.
Wraz z nadejściem nowoczesności w Japonii nastąpiło odrodzenie drzeworytnictwa, hanga . Po śmierci Hiroshige w 1858 roku ukiyo-e praktycznie zanikło. Jego ostatnie przejawy odpowiadają Goyō Hashiguchi, który już wtedy wyraźnie przejawiał zachodnie wpływy w realizmie i plastyce swoich obrazów. Wraz z nadejściem XX wieku artyści zajmujący się grawerowaniem ewoluowali w kierunku stylu bardziej zgodnego z nowoczesnym japońskim gustem. Jednym z pierwszych przedstawicieli tego stylu był Hiroshi Yoshida, autor pejzaży inspirowanych XIX-wieczną angielską akwarelą. W 1918 roku założono Nippon Sōsaku Hanga Kyōkai (Japońskie Stowarzyszenie Artystów Grafiki), grupę artystów, którzy zsyntetyzowali tradycyjne japońskie malarstwo z nową estetyką Zachodu. Wśród jej członków na szczególną uwagę zasługiwali Kōshirō Onchi, Un'ichi Hiratsuka i Shikō Munakata. Pierwszy, inspirowany Wasilijem Kandinskim, jako pierwszy tworzył abstrakcyjne ryciny, o stylu jednak wyraźnie orientalnym ze względu na chromatykę miękkich tonów oraz liryzm i wyobraźnię. Hiratsuka był bardziej tradycyjny w technice i wyborze tematów, preferując czarno-biały monochromatyczny, w tematach od buddyzmu po pejzaże i sceny popularne, w których łączył tradycyjne metody z nowoczesnymi efektami. Munakata był znany ze swojej oryginalnej, osobistej i ekspresyjnej pracy, o niepowtarzalnym stemplu. Skupiał się również na tematach buddyjskich, zazwyczaj również monochromatycznych, ale o swobodnym, beztroskim stylu, o niedbałym wyglądzie, ale o wielkiej witalności.
Brak komentarzy:
Prześlij komentarz